论曲艺表演艺术的审美特质及传承路径

时间：2022-05-10 10:03:47 所属分类：戏剧表演 浏览量:

【摘要】在曲艺的舞台上，行当实际上是将各种姊妹艺术的结合点或核心，也就是将各种不同的艺术元素汇集起来，熔铸成一个统一的、有机的整体曲艺。同时，在传统文艺的基础上，曲艺表演又有其特有的表达方式。曲艺是一种有着深厚底蕴的艺术，发展至今在一定程度上完成了

　　【摘要】在曲艺的舞台上，“行当”实际上是将各种姊妹艺术的结合点或核心，也就是将各种不同的艺术元素汇集起来，熔铸成一个统一的、有机的整体——“曲艺”。同时，在传统文艺的基础上，曲艺表演又有其特有的表达方式。曲艺是一种有着深厚底蕴的艺术，发展至今在一定程度上完成了历史性的转变。近年来，由于社会、经济和文化的发展，在重视传统曲艺艺术保护的新时期，传统戏剧作为民间文化的重要组成部分，如何保护和传承已成为广大民众普遍关心的问题。

　　【关键词】审美;传承;曲艺

　　一、论曲艺艺术的审美特质

　　(一)表演手法的通俗性

　　在评价曲艺的好坏时，人们往往以歌舞为荣。审美的首要需求是人的审美需求，精神的愉悦。所以，在表演上要从生活中汲取精髓，把生命浓缩，展现美、创造意境，达到感染人、娱乐人的效果。而当地的曲艺表演活动又常常发生在某一地区，因此，它的产生必然要立足于当地的生活，要与当地民众的思维、想法相联系，而其表现形式又要与当地居民的审美体验、美学观念相结合。辽剧《白杨树下》在国内首演取得巨大成功后，一炮走红，长盛不衰，深受广大农民群众的喜爱。因此，乡下人百看不厌，不只是因为劳动是最好的，更重要的是，这是从生活中来的，很容易理解。因为民间曲艺的主要参与者、传承者和创造者都是大众，其发生和发展始终渗透到人们的日常生活之中。现今，人们的物质生活得到了极大的改善，但是，作为一种地方性的艺术，它必须服从于当地居民的需求，为当地居民所接受，为民服务。所以其表现技巧要大众化，动作元素要浅显易懂，能让当地居民接受。因此，在地方小曲创作过程中，必须将表演技巧的普及化贯穿于整个创作过程。

　　(二)表演形式的民俗性

　　我国是一个多民族国家，各个民族区域都有着极其深厚的文化底蕴。从祭祀祖先、婚丧嫁娶、亲友聚会、劳作休息，各种民间习俗都可以用来表达自己的情感和娱乐。地方民俗的形成源于国家和人民的生活习惯，而生活习俗则以风俗为主导。这种习俗代代相传，使得当地的民间曲艺表演有了自己的独特风格。只有牢牢把握当地民俗，才能使当地的小曲表演具有勃勃生机。曲艺艺术正是以这种形式，将传统文艺的精华，集中于舞台上的人物形象。以曲艺为中心，以表演者的吟诵为诗歌;细致的表达是一首诗歌;优美的舞蹈(包含武术)是一种动作的诗歌;华丽的化妆与服装是颜色的诗歌：从而构成了以表演为主体的音乐艺术诗歌的基本风格。所以，好的曲艺表演(包括京剧和地方戏)，都是浓茶，是蜂蜜，是画卷，总能带给人一种沉醉的美感。这是我们国家广大民众的一种审美情趣。

　　(三)表演场所的开放性

　　民间小戏的天地总是在民间，在室内和室外，茶楼、酒肆等都能搭建舞台。这是一种自由，一种自然，一种开放的感觉。民间的曲艺，源于草台。在过去的几年里，我们一直把曲艺戏称为“草台班子”，特别是民间戏班。或许，在当代文学思潮日新月异的今天，戏院被称为“草台班子”“草台”，都是一种“土”、不合时代的表现。但是，在现实生活中，传统的曲艺，特别是民间的小戏，最需要的就是这种“土”。没有了“土”，它就会变成歌舞，变得格格不入，当地的戏剧也就失去了活力。

　　二、当代曲艺艺术传承中存在的问题

　　(一)剧本数量下降

　　从非遗名录上可以看出，除京剧外，还有一小部分曲艺如越剧、评剧、黄梅戏等仍在舞台上活动。以内蒙古为例，截至2016年12月，已有2个北路梆子、满族戏消失。由于传统曲艺表演活动的停滞和传承者的相继去世，很多曲艺作品的文献都受到了很大的破坏。

　　(二)内容过时且缺少创意

　　如今，传统的地方曲艺表演内容有一些陈腐僵化，很多剧种都是“老戏老戏”，有些曲艺取材生僻，以悲剧居多，内容与现代观众有很大的隔阂。此外，地方曲艺语言具有地域特色，传承了许多年的风格腔调、音乐、舞蹈和表演形式等都是老套的，这些制约了它的发展。

　　(三)人才流失，后继乏人当前，由于资金紧张、经营不到位，演员的基本收入难以得到保障，演员们纷纷转行、下海经商，专业的表演团队纷纷解散，造成了严重的人才流失，一些老艺人所掌握的传统剧目和艺术技艺也未能复排与传承，随时有因为老艺人去世而失传的风险。曲艺人才培养困难，年轻人对影视的热爱程度较高;歌曲、舞蹈等艺术形式的进一步发展，年轻人对当地曲艺艺术的不适应，使传统曲艺在生活和发展中的空间受到了压缩。此外，戏剧、美术院校生源少、学费高、师资短缺、就业困难、教学方法落后等一系列问题也成为制约曲艺发展的瓶颈。

　　三、传承曲艺艺术的途径

　　(一)培养表演人员的责任担当

　　曲艺工作者要承担起传承和保护的责任。在继承与创新之间找到一个平衡点，是一个很困难的问题。戏剧不能成为温室里的花朵，面对越来越多的竞争，必须面对自己，突围而出。但是，另一方面，戏剧市场的低迷也是不容置疑的。如果不采取相应的保护措施来保护这些曲艺，只能加快它的灭亡。黑龙江省评剧院在当前的实际情况下，将传统戏重新安排到惠民表演中来，是一条明智之举，在传承和发扬优秀传统文化的同时，也展示了评剧的魅力，赢得了更多的受众。同时，通过对经典的复排，培养青年演员，为今后曲艺的发展提供大量人才。一部又一部正宗的经典剧目的表演，是最好的传承与保存，而剔除其糟粕，再加以改编，则是一种最直接的创新。

　　(二)兼收并蓄，积极继承

　　中国曲艺的表演范型浩瀚无边，其中包括了一般艺人必须掌握的技巧，也包括了其他行业的艺术技巧。表演范型的多元化，不仅使曲艺艺术趋于成熟，而且为我们的曲艺艺人提供了一种学习和培训的方式，尤其是在新的时代，往往会出现跨行业的表演，这对曲艺的要求也越来越高。“艺海无边苦作舟”，作为一名曲艺艺人，必须刻苦练习，积极传承优良的传统艺术，掌握扎实的基础，熟悉不同行业的表演要求，并能融会贯通，塑造人物时方能进退有序、应付裕如。

　　(三)合理运用，发扬传统

　　传承是发展曲艺艺术的根本，其目标是将其发扬光大。对传统的程序有了更多的了解，就可以在塑造角色时，如鱼得水，左右逢源。纵观众多曲艺中的成功人物形象的刻画，无不是将传统艺术巧妙运用，最终达到登峰造极的地步。从性格特点的分析、语调、人物形象切入，充分掌握人物的思维、动作、人物与人物的关系，掌握人物的心态、神态、形态、动态等艺术手法，并将其有机地应用于表演之中，最大限度地利用这个行业的程序，并将其他行业的程序应用到这个领域。传统的表现手法是为了塑造角色而服务的，而对角色的灵活运用则是对角色形象的塑造。弘扬传统，就是要按照角色形象的要求，灵活运用、创新，赋予传统的艺术形式以新的活力。

　　(四)传承与创新，注重修养

　　包容造就了中国曲艺的博大精深。中国曲艺是一种集多种艺术形式于一身的特殊艺术形式，其表现形式也包括了舞蹈、声乐等。要想使人物形象获得成功，就必须对传统的表演程序进行传承，而要使角色栩栩如生，就必须能够创造性地使用多种艺术形式来为角色服务。要具有这样的创造性，不仅要有渊博的知识，还要有多种文化素养，不仅要对传统的艺术形式进行广泛地吸纳，还要对文学、艺术、心理、审美等方面有深刻认识。曲艺要传承，必须面对现实，要改变观念，要把创新摆在我们的议事日程上。近年来，在曲艺舞台上出现了许多形式上的革新，毁誉参半，而在艺术领域中，也存在着许多反对改革的声音。这并非是对戏剧的保护，而是对戏剧发展的阻碍。虽然近几年来，业界不断地呼唤、甚至大力提倡曲艺创新，但是对于“创新发展、创新转换”这一概念，却并未进行深入的思考。创新不仅仅是一种口号，而是一种实实在在的行动，一种勇于开拓的精神。在戏剧表演中加入了一些取悦观众的新元素，修改了一些为观众准备的台词和歌词，这不算是一种创新，就连整个的形式也不能算是一种革新。真正的革新应当体现在思想、题材和观念上。只有创意思想深入人的大脑，并把它融入到创作的全过程中，才能使作品具有现代感，从而赢得市场。这就是现代戏剧并非都能称之为“创新”的原因。从选材的角度来看，要有创意，既要发掘材料的现代感，又要让故事符合当代人们的价值观和审美喜好，才能在不脱离主体的情况下，加入正确的创意。其次，要有创意，要有底线，有创意，但不要失去最基本的东西。近年来，在戏剧的舞台上，运用了大量高科技的舞台技术，华丽的舞姿，大段的脱离原作的唱法，这些都是脱离了戏剧本身的创作，是不值得推广的。作为中国传统文化的一种特殊类型，曲艺与其他艺术形式不同，具有特殊的魅力，是我国的一种宝贵财富。创新是为了发展，但最终还是要延续到传承了2000多年的传统技艺。忽略戏剧本体而任意创新，即使获得了市场和受众，也会被彻底改变，甚至与戏剧的虚实相分离，跳出戏剧局限的演唱体制，抛弃传统的戏剧形式，这是一种得不偿失的革新。

　　(五)程式思维的提升

　　曲艺将复杂多样的曲艺人物分为生、旦、净(末)、丑四个基本行当，然后再进行细分从而表现作品中不同人物的独特性格，使得人物类型更加细致，人物特点更加清晰，但要完全、准确地表现人物差别和个性，在细分的基础上，对具体角色要再进行具体分析、处理。从内容上来说，它是一种规范化的、艺术化的角色，而在形式上，它是一种有特定个性的表演程序，既是一种意象，也是一种程序，两者之间有联系，也有区别。由此可以看出，行业的划分是从抽象到具体的过程，是对人物性格的描述与区分，由此形成了从一般到个别、从普遍到特别的创作历程。把“普遍性”和“特殊性”、“抽象”和“具体”的关系提升到一种思考模式后，演员们不仅会从“行当”进行转变，还会从“程序”走向“程序”。传统的曲艺表演是一种学习、传授程式思维的过程，它是将人们听到、看到、感知到的角色、角色的扮相造型、曲艺音乐、演员形体、剧本体系等有形程式与无形程式(即程式思维：曲艺内容和题材处理的构成法)结合起来，演员进一步扩展、创新的学习过程，因而对程式思维的领会是传承曲艺的核心，由于程式思维源于程式，目的是让表演者更加容易、迅速地把握艺术形象基本的特征，自觉地由抽象转入具体，这个联结抽象和具象的内在规律，即无形的程式。曲艺的存在在于有形的程序，而表演是其根本，掌握了无形的程序，既要继承传统的一板一眼、一招一式，又要从这种有形的表演中领会和探索其艺术手法，体会其审美原理，探寻其艺术规律，以求创新。无形的程序是无形的结构的基础，它把实体的形式统一起来，使它的魅力完全发挥出来，这两种形式互相影响。程序思考是表演者对现实程序和人生经验的理性升华，而曲艺家为了提高自身的表演水平，则需要通过不断的练习来实现这种“理性”的升华。

　　《论曲艺表演艺术的审美特质及传承路径》来源：《戏剧之家》，作者:刘怡

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